ТопЗвук Россия - сообщество о звукорежиссуре. #TopZvuk
Шесть небольших советов для тех кто учится сведению композиции.
В начале мы создаём партии композиции. Иногда создание композиции начинается с поиска мелодии, иногда с звукового дизайна, иногда с поиски интересной гармонии, иногда с создания интересного бита. Многое зависит от конечной цели. После этого идёт подбор тембров используемых инструментов. Далее следует процесс сведения — объединение всех партий композиции так, чтобы вместе они звучали хорошо и не мешали друг дружке. Ну и в завершении идёт мастеринг, — финальная обработка всех объединённых партий. В данном небольшом уроке будут даны самые основы сведения, небольшие правила и детали на которые следует обратить внимание в первую очередь, от осознания которых можно начать движение и постепенно всё лучше понимать процесс сведения и овладевать искусством совмещения различных партий композиции для достижения наилучшего предфинального результата.
Совет 1: Выбор тембров.
Плохое сведние начинается непосредственно на этапе сведения. Хорошее сведение начинается на этапе подбора тембров инструментов и семплов. На самом начальном этапе создания композиции нужно учитывать то, как определённые партии и отдельные звуки будут звучать вместе. Отдельного рассмотрения достойны бас бочка и бас, но и партии других инструментов нужно подбирать с учётом дальнейшего общего звучания. Это касается форм волн, хотите ли Вы достигнуть в финале атмосферное синусоидальное звучание или же желаете добиться агрессивного тембрально-богатого звучания с треугольными и квадратными формами волн. Также это касается частотных диапазонов. Каждая партия, каждый звук, каждый инструмент должен присутствовать в композиции не просто так, чтобы был, а для того чтобы выполнять определённую роль и делать это определённо лучше чем какой-либо иной инструмент или семпл.
Это приходит с опытом, но в целом, старайтесь думать о сведении на этапе подбора тембров семплов и инструментов композиции.
Совет 2: Квантование
Когда я только начинал писать музыку и в рунете практически не было информации для композиторов и звукорежиссёров, просто не было, то когда я читал разговоры на форумах о сведении — я думал что сведение, это исключительно вопрос того, на сколько слажено в ритмическом плане звучат инструменты. На самом деле это только лишь часть сведения, но достаточно важная. Каждый инструмент имеет определённый тембр. Характеристикой тембра является определённое время атаки, держания и спада. Синтезаторы позволяют задавать значение огибающих на этапе звукового дизайна. Акустические же инструменты имеют стандартное соотношение времён огибающих, изменение которых может повлечь потерю качества звучания записи. Так, достаточно не легко свести скрипки с долгой атакой и ударную установку, тембры которой имеют очень короткое время атаки. Первый тембр расплывчатый, второй — ритмичный. Также низкочастотные инструменты имеет смысл воспроизводить с небольшим, миниатюрным, упереждением ввиду устройства слухового аппарата человека (психоакустика) и восприятия им различных частот звука.
Но это всё опять же лишь только часть. Особое искусство — это работа с миди сообщениями программных синтезаторов и семплеров. Вы как минимум должны уметь заниматься квантованием, привязкой миди сообщений к сетке секвенсора. Для этого иногда надо выделить все миди сообщения и немного сместить (обычно миди сообщения записываются с небольшим, миниатюрным, отставанием), это требуется для более качественного квантования. Ну и далее следует определить степень привязки к сетке секвенсора, есть ли в Вашей записи 16-тые ноты, 8-мые. Выделить сообщения и через меню программы выполнить квантование с соответствующими параметрами.
Иногда звучание становится слишком механническим и синтетическим, порой это можно исправить небольшим грувом, искусственным отклонением от сетки секвенсора. Однако в ряде случаев квантование не нужно потому что партия теряет живость воспроизведения и никакой грув не может восполнить ту изюминку, без которой теряется всё.
Также иногда необходимо подправить громкость отдельных миди сообщений, это всё миниатюрная работа, с одной стороны иногда достаточно всё причесать квантопилой, а иногда нужно работать с каждым миди сообщением в отдельности, подобно мастеру ремонта мелких механизмов.
Совет 3: Низкие частоты
Что касается частотных диапазонов, то тут всё не так уж и сложно. С одной стороны нужно изначально выбирать правильные тембры, о чём уже писалось в первом совете, с другой стороны нужно уметь совмещать уже выбранные тембры инструментов. Желательно чтобы в вашей композиции было как можно меньше конфликтных частотных диапазонов инструментов. В ряде случаев этого практически невозможно избежать, тот же бас и бочка, но и инструменты требующие пространства для отчётливого звучания (вокал часто требует небольшой обработки большинства других партий эквалайзером ), или же просто инструменты, для корректного звучания которых необходим весь их широкий частотный диапазон.
Однако, наиболее проблемным является низкочастотный диапазон композиции. С одной стороны если инструмент имеет низкие частоты — они придают глубины и мощности его звучанию, с другой стороны их глубина и мощность встречаясь с басом или бас бочкой создают кашу и гулкость.
Так что имеет смысл, после создания основных партий и подборки тембров инструментов, добавить на их каналы фильтры и поэксперементировать. Ваша задача — вырезать всё то что не влияет на качество звучания данного инструмента в контексте общего звучания композиции. В большинстве случаев вырезаются именно низкие частоты, однако в целом для придания композиции определённого звучания или же при необходимости предоставить больше пространства определённой солирующей партии, возможны другие небольшие правки амплитудно-частотных харакетристик (АЧХ) партий.
Совет 4: Панорамирование
Кроме работы с частотными диапазонами, ритмикой и огибающими есть ещё и вопрос размещения инструментов по стерео панораме. И да, многие слушают музыку в наушниках или на качественных акустических системах, глупо не работать с панорамой, если это может улучшить звучание всей композиции. Когда появилось стереофоническое звучание — многие исполнители начали размещать определённые инструменты строго в одном из каналов. Однако достаточно быстро перестали. В целом, в левом и правом канале должно быть примерно одинаковое соотношение как частот, так и амплитуды. При этом принято низкочастотные инструменты размещать по центру. Почему ? Они несут в себе большую часть энергии композиции, кроме того, размещение партий достаточно далеко от центра панорамы может повлечь проблему фазовых искажений, ведь до сих пор есть монофонические акустические системы, иногда стерео преобразуется в моно. Но это не повод, современный рынок предлагает много различных синтезаторов и процессоров звука, но в том числе есть и анализаторы аудио потока. Как амплитуды и АЧХ, так и соотношения фаз правого и левого каналов. Это позволяет добиться более объёмного звучания, как дублированием одного инструмента в строго правый и строго в левый каналы с последующими изменениями в тембросинтезе, так и с помощью различных процессоров звука, либо в единичном варианте, либо опять же разделением одного инструмента на два.
Однако в большинстве случаев, под классическим панорамированием понимается именно размещение определённых инструментов и семплов по стерео панораме. Делается это в микшере и позволяет добиться более разборчивого звучания.
Совет 5: Чем меньше — тем лучше.
Искусство музыки заключается в том, чтобы подобрать инструмент и сыграть на нём так, чтобы ни один другой инструмент или группа инструментов не смогли сделать это лучше. Почти все начинающие композиторы стремятся городить оркестр конфликтных частот, а в особо тяжёлых случаях — гонятся за войной громкостей и убивают динамику композиции слишком сильной компрессией-лимиттингом переходящими в дисторшен. Это всё от стадного чувства а не от понимания того, что и зачем делается, для чего, почему. В целом, старайтесь использовать как можно меньше инструментов и как можно меньше различных процессоров звука. В идеале — Вы должны начинать создание музыки достаточно чётко представляя как Вы добьётесь желаемого результата, что Вам для этого нужно. Если все инструменты будут на своих местах, если будет использована логически оправданная обработка звука, то композиция будет звучать. В этом и есть мастерство — придти к малому, замещающее большее по качеству.
Совет 6: Дистанция и глубина
Окончательные штрихи звучания композиции создаются размещением источников звука в пространстве. Если реверберации и дилея (эхо) слишком много — то звучание будет слишком гулким, невнятным и кашеобразным. Если отражений не будет — то звучание будет слишком пластмассовым и синтетическим. Создание атмосферности без потери качества звучание — вот что нам нужно. А для этого нужно добавить именно столько отражений, сколько нужно, подумать о частотах, на которых эти отражения слышны, подумать о партиях, где уместно добавить отражений для достижения атмосферности. Хорошим примером является вокал. Лидирующий вокалист может быть обработан ревербератором с настройками «небольшого помещения», в то время как фоновый вокал может быть обработан более гулкой и продолжительной реверберацией «зала» или «церкви».
Также, большинство композиций имеют достаточно развитиые структуры, у них есть начало, есть концовка, есть небольшие паузы. Имеет смысл создать копии используемых инструментов для этих частей композиции, так как в них звучит меньше инструментов, а значит есть больше пространства, которое может быть заполнено создающими атмосферность реверберацией и дилеем.
